Paris

Tous les regards seront tournés vers le Palais de Tokyo le 3 juillet à 18 h 30, où Synergetic occupera le devant de la scène : un défilé de mode intercampus explosif qui va bousculer la Fashion Week de Paris. Vingt créateurs en herbe, dix de l’Istituto Marangoni Paris et dix de l’Istituto Maragoni London, partageront un podium audacieux et dynamique dans un spectacle hors du commun.

Le nom Synergetic, tiré du grec synergetikos, « travailler ensemble », transmet parfaitement l’essence du défilé : collaboratif, multiculturel et tourné vers l’avenir. Cette vitrine commune sans précédent célèbre le lien créatif de longue date entre deux des capitales de la mode les plus dynamiques d’Europe.

À l’occasion de son 90e anniversaire cette année, l’Istituto Marangoni reste la seule école de mode au monde à offrir un véritable enseignement multicampus, une approche innovante qui permet aux étudiants d’élargir leur vision au-delà des frontières.

Une scénographie évolutive donnera vie au défilé : de grandes voiles blanches ondulant au vent, sur lesquelles des créations en mouvement seront projetées, représentant ainsi une métaphore visuelle de la transformation et du changement constant. Une toile de fond à la fois poétique et percutante qui amplifie le message créatif des 20 designers sélectionnés pour participer. L’avenir de la mode est assurément façonné par l’Istituto Marangoni sur le podium du Palais de Tokyo.

LES CRÉATEURS DE L’ISTITUTO MARANGONI LONDON

Gaye Sahutogullari · Identity

Identity s’inspire du concept de memento mori, décrivant la dégradation du corps comme un vaisseau de mémoire et un moment de transformation. Chaque silhouette est fabriquée à partir de latex moulé à la main, créant ainsi une seconde peau semi-transparente qui suit les formes naturelles du corps.

Sofiia Kovalska · Mavka and Molfar

Cette collection s’inspire des créatures mythologiques ukrainiennes, symboles des mondes mortel et spirituel. Le récit s’articule autour du dualisme de ces êtres mythiques : l’esprit de la forêt, une jeune femme nommée Mavka et le sage chaman Molfar. Le folklore ukrainien est réinterprété dans un style moderne tout en préservant les techniques traditionnelles.

Anna Sheremetyeva · Metamorphosis

Metamorphosis reprend un parcours personnel de transformation et de sublimation, surmontant les troubles et la dépendance. Les silhouettes et les tissus s’inspirent des images d’un cocon et d’une chenille, les étapes initiales de la métamorphose d’un papillon. Plus de 60 % de la collection est fabriquée à partir de tissus recyclés.

Micaela Ismodes Sole · Redrum

Cette collection s’inspire des films d’horreur et de la façon dont la beauté peut être troublante. Il s’agit d’un hommage à une féminité à la fois étrange et mystérieuse, où les formes douces et romantiques rencontrent des éléments plus sombres. Chaque pièce crée une atmosphère fantomatique grâce à la combinaison de textures lourdes et de tissus légers, transparents et fluides, offrant une sensation unique.

Henry Archibald Crawford · A Third Traveler

Cette collection s’inspire du « paradoxe de Fermi », l’idée que malgré les vastes possibilités de vie dans l’univers, nous sommes seuls. Les pièces de la collection rappellent la lourde masse des planètes et sont fabriquées avec des matériaux épais comme le daim d’ameublement, la laine peignée et le néoprène épais.

Thierry Nicolas Rüetschi · New Renaissance

New Renaissance explore avec audace la force, la protection et la renaissance, en mélangeant l’héritage romain, l’élégance de la Renaissance et une vision futuriste. Les silhouettes architecturales sont construites à partir de larges bandes entrelacées formant des volumes sculpturaux ou imitant la musculature humaine.

Charlene Osmond · Defining Seduction

Cette collection rassemble diverses inspirations, explorant la séduction à travers des films, des icônes de la mode, des photographies et des moments figés. Le design revisite les représentations occidentales de la féminité et de la tromperie des années 1950 aux années 1970, avec une touche de glamour moderne.

Sofia Rukina · Bandit 90’s

Bandit 90’s est une collection de streetwear de luxe pour hommes inspirée des sous-cultures criminelles de la Russie post-soviétique, où le pouvoir, la rébellion et le chaos ont défini une époque. Le récit s’appuie sur des références historiques, des archives de la police, l’argot et des codes vestimentaires, revisités de manière contemporaine et luxueuse.

Jinxuan Mao · Echoes of Innocence

Cette collection s’inspire des comportements enfantins auxquels les adultes reviennent inconsciemment lorsqu’ils sont soumis à un stress extrême. Les silhouettes oscillent entre des volumes ludiques et des coupes déformées, reflétant la tension entre innocence et responsabilité. Des imprimés dégradés aux couleurs primaires vives s’entrelacent, évoquant la palette du Cri d’Edvard Munch.

Aniket Chandela · Vishnu ki Virasat

Cette collection mêle mythologie traditionnelle et mode contemporaine, inspirée des dix avatars de Vishnou. Chaque pièce représente un avatar, capturant son essence à travers des designs complexes et des tissus luxueux, à la fois intemporels et modernes. Ces créations rendent hommage au patrimoine culturel indien avec une élégance audacieuse et moderne.

LES CRÉATEURS DE L’ISTITUTO MARANGONI PARIS

Hwanseok Cho · A Rebelling Man in the Cosmos

La collection aborde la tension entre la défiance humaine et le vaste univers, inspirée du Mythe de Sisyphe de Camus. Pour exprimer les idées d’espace-temps et de gravité, chaque tissu de la collection incorpore des carreaux ou des rayures, représentant visuellement la distorsion et le mouvement.

Hana El-Sharabasy · Where Skin Ends

Une exploration du corps, de l’identité et de l’espace entre l’intimité et l’inconfort. À travers une manipulation textile grotesque, utilisant des cheveux humains, des revêtements collants et des surfaces ressemblant à des cicatrices, la collection interroge les limites de la beauté dans la mode.

Alexia Cofino · Scars of Somatization

Nous somatisons lorsque nous ne sommes pas à même d’exprimer nos émotions ou nos peurs, ou de nous défaire de la pression ou d’un sentiment de honte. Cette collection explore la façon dont le corps crie silencieusement à travers la tension, la rigidité ou les explosions d’énergie. Chaque vêtement devient un corps : un vaisseau pour le poids du non-dit.

Valeria Rais · ARRK

ARRK est née du silence du désert, un lieu où le vent façonne la terre comme la mémoire façonne le corps. Cette collection s’inspire des dunes, des os et des ruines perdues. Dans ses formes sculpturales et ses couches texturées, ARRK explore la survie, la sensualité et la beauté qui reste lorsque tout le reste s’estompe.

Lorena Casas · Shadow Grace

Cette collection explore le concept de soi et d’évolution émotionnelle. Elle reflète la façon dont les émotions difficiles se transforment au fil du temps et de l’expérience. Chaque pièce représente une étape du voyage intérieur, où la beauté, la douleur, la force et la vulnérabilité coexistent.

Monique Mou · Forgotten Beauty

Forgotten Beauty tourne autour de la tension de l’innocence et de la rébellion que nous voulons désespérément embrasser. Cette collection est un cri émotionnel teinté par l’enfance de la créatrice, une rébellion non seulement contre la tradition, mais contre la vulnérabilité de montrer qui nous sommes vraiment.

Maria Vittoria Foradori · Shifting Emotions

Shifting Emotions est une collection qui capture le mouvement intangible entre les états émotionnels. Inspirés par les études de la décomposition du mouvement d’Étienne-Jules Marey, les vêtements reflètent le rythme visuel de l’émotion lorsqu’elle pénètre et circule dans notre corps.

Gaurvi Monga · JAANG

À travers l’observation d’une société où l’on attend des marginalisés qu’ils endurent des souffrances au profit des autres, la collection appelle à une introspection collective, exhortant les spectateurs à affronter les injustices souvent invisibles et à reconnaître la résilience et l’humanité des personnes qui sont régulièrement réduites au silence.

Maris Thompson · FOSSE FOLIES

Le fondement de la collection est ancré dans le travail visionnaire du légendaire chorégraphe Bob Fosse. S’inspirant de son esthétique distinctive, la collection réinterprète des éléments du cabaret à travers un prisme moderne, fusionnant la théâtralité avec un design net et contemporain.

Alex Puigdollers Martin · Structure & Absence

Structure & Absence est une exploration du concept de la « fausse simplicité ».  La collection rend hommage à la vulnérabilité humaine, en mettant en avant les blessures visibles et invisibles à travers des références anatomiques telles que la structure musculaire et les plis de tissu en forme de cicatrice. L’utilisation de la céramique souligne la valeur de l’artisanat et de l’architecture complexe du corps.